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思考方面，我的兴趣点不在新闻的各种取向，而在于疫情给人类生活方式和精神世界带来的重要的影响。全世界很多人都因为疫情，情愿或不情愿地改变了原有的生活方式，这种改变会引发每个人不同的感觉状态，或紧张焦虑，或平静如常等等，我从中看到了疫情背后的种种差异性与可能性，艺术家对这些心理反应更为敏感，也会将其在一定程度反应在作品中。
张咏《尘入水底》展览现场
U+ART：“存在”的展陈空间设计很独特，除了“迷宫”和“隔离”的概念之外，您是否希望传达给观众更多的信息？
廖雯：展场是设计师们根据我设想的观展感觉，再加上他们个人的理解设计出来的。对我来说一个展览的呈现方式，把作品摆“好看”是最低标准。我近年来做的展览，是把布展作为展览理念的视觉加强和延伸设想进去的。
《存在》展览现场的“迷宫”入口
“存在”这个展览，我设想让观众有一种“进入式”的体验，类似“密室逃脱”的封闭和隔离的感觉。我选了14个艺术家，给每个艺术家隔离出一个独立的空间，每个空间只有一个艺术家的作品，象征“隔离14天”将成为人类的文化记忆。观众进入每一个空间，只能看到一个艺术家的作品，可以体验“被隔离”和“被迫观看”的状态。
《存在》展览现场
“山中天”的实际建筑空间曲折、零碎而又不闭合，展场设计师王闻在理解我策展理念的基础上，做了非常好的设计处理。
邓玉峰《永生》展览现场
首先，一层入口的位置，设计了一个很有形式感的迷宫结构，不完全阻断人流，却迫使观众必须放慢脚步，在半封闭的迷惑状态中寻找出口。二层空间最不闭合处，延续了迷宫的结构，将我设想的“被阻隔”的感觉，在半封闭的空间中实现了出来。我非常感谢王闻和她团队年轻人的创造性工作，为本次展览做出了很好的展陈效果。
张震宇《灰尘系列》展览现场
U+ART：这次展出作品的种类很丰富，您如何看待艺术观念和作品媒介之间的关系？
廖雯：对于艺术而言，“媒介”本身不是重点，个人感觉和观念的表达，从来不应该受到媒介形式的限制，当代艺术更是什么方式都可以用，关键在于艺术家所选择的语言方式，有没有最大限度地贴近他（她）想表达的个人感觉。每一种媒介（其实我从来不用这个词），都有其自身在表现性上的长处和短板，也都会对应着其技术性，我很少说技术，不是技术可以忽略，而是艺术到了创作这个层面，应该超越技术本身。因为一件好的作品，是能够创造性地利用各种媒介和空间的。中国艺术圈子有个误区，就是用媒介来区分作品的性质，其实媒介本身有技术属性，但没有意义属性。
《疼痛》，靳卫红，2020，中国宣纸、墨、中国画颜料料，146x744cm
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