现在还有大量数字化的平台，既是虚拟的也是现实的。美国洛杉矶的光线画廊(Light & Wire Gallery)和法国的超级艺术现代博物馆(Super Art Modern Museum)都策划网络展览。3月，一个名为“传送”(Transfer)的画廊在纽约布鲁克林开了一家实体空间，而该画廊代理的艺术家均是深深扎根虚拟世界的艺术家。今年春天，纽约移动影像艺术博览会有一个名为“史上成交的最短视频艺术”项目，由玛丽娜·盖普丽娜(Marina Galperina)和凯尔·恰卡(Kyle Chayka)策展。包括22个不同艺术家的6秒作品，全部来自Twitter旗下的应用程序Vine，用户可以通过这一应用程序分享短小的视频。其中一件由安吉拉·瓦施蔻(Angela Washko)创作的作品以200美元出售给了一位荷兰策展人。收益可能很小，但这一作品引起了媒体关注，它被称为“在商业市场上成交的首部以Vine制作的艺术”。

　　此外，机构层面也有显著变化趋势。惠特尼美术馆从10年前就开始委托艺术家为其网站创作网络作品。今年春天，JODI为美术馆网站创作了一个30秒动画，每天日出及日落时分，该动画会在弹出窗口播放。此外，“EYEBEAM艺术及科技中心”(Eyebeam Art+Technology Center)和纽约新博物馆下属的网站Rhizome也都是重要的艺术-科技孵化器。

　　Rhizome每年一度的“七对七”会议请来7位艺术家和7位科技专家汇聚一堂展开头脑风暴会议，通常会诞生出人意料的作品。在去年的会议上，摄影家泰伦·西蒙和身故不久的互联网活动家艾伦·施瓦茨创造了Atlas，这是一个按照国籍分类的图片工具。“它如此优雅精致，” Rhizome执行主席希瑟·科科伦说道，“它让你可以比较类似于‘自由’这样的词语在不同国家的视觉形象分别是怎样的。”

　　游走于真实虚幻间

　　我们的文化景观充斥着数字图像，甚至“虚拟”和“现实”的边界常常被模糊了。去年，在“西南偏南”，艺术家、作家、科技专家詹姆斯·布赖德尔(James Bridle)将此类现象称为“新美学”(New Aesthetic)，而今这一术语已经广为传播。

　　在艺术中，这类新的观看之道正以多样的方式呈现。墨尔本艺术家乔·汉密尔顿(Joe Hamilton)将数码图像和视频片段进行拼贴——他的创作可以在2011年诞生的网站作品“超地理”(Hyper Geography)看到——创作出具有令人不安的真实感的合成作品。蒙特利尔艺术家乔恩·拉夫曼(Jon Rafman)根据谷歌地图拍摄到的街景创作了一系列摄影作品。他搜寻街头生活不同寻常的切片——逮捕、争斗、振翅的蝴蝶——并在Tumblr博客上发表。拉夫曼还将这些图像打印出来并拿到画廊展出。他的代理画廊是纽约的扎克·福伊尔(Zach Feuer)，他的作品标价高达2万美元。“他在虚拟空间中寻找真实，”Rhizome策展人、编辑迈克尔·柯纳尔(Michael Connor)说，“这是现代技术的产物。”

　　围绕着网络发展出的文化兼具解构和重建的特质。互联网艺术同样对制度进行批判。布里德尔(Bridle)运用Instagram的照片分享服务在网络上张贴中东地区无人机袭击区域的图像。立陶宛艺术家来莫纳什·查卡思(Laimonas Zakas，他的化名是Glitchr)在Twitter上利用社交网站代码的缺陷，将满屏的乱码组成一幅幅具有艺术性的图像。Facebook的规则要求每个用户以真实身份注册，弗尼勒斯和他的团队通过违反这一规则上演了一场学院肥皂剧。

　　随着时间演进，网络对于艺术的干预愈发巧妙。艾娃(Eva)和弗兰科·马茨(Franco Mattes)是一对生活工作于纽约的意大利艺术家，他们自1994年起便展开了合作，有时也会使用一个叫做“0100101110101101.org”的别名。他们俩曾经虚构了一个离群索居的南斯拉夫艺术家达可·马沃尔(Darko Maver)，在其真实身份被公之于众前，这位虚构的艺术家获得了大量媒体报道，甚至被纳入第48届威尼斯双年展意大利馆的参展名单。

　　2010年，马茨夫妇上演了一场假的在线自杀，并记录下网友的不同反应。他们通过一个名为Chatroulette的网站实施了这件作品，该网站可以随机将不同网友通过网络摄像头联系在一起。当时，一些观看者忍不住咯咯笑起来。根据录像显示，只有一位网友真的呼叫了警察。“每一次一个新的媒介诞生，我们总会预想它比之前的媒介更加真实，”夫妇俩在电子邮件中表示，“例如，我们理所当然地认为电视真人秀里的人都在演戏，或者他们至少很清楚镜头的存在。但是一个孩子在网上发布的一段视频很可能是更真实的记录。我们的作品就利用了这种根深蒂固的信任感。”

　　网络世界浩瀚无边，一些艺术家着手创造新的工具调整人们的观看角度，上文提及的西蒙和施瓦茨的图片搜索引擎就是一例。这类作品还包括马克·纳皮尔的“碎纸机(Shredder)1.0”——它会重新配置网站上的文字——和dump.fm，艺术科技专家雷德尔·利普斯设计了这一以快速移动的图像为基础的网络聊天室。而在2010年的作品riverthe.net上，影像艺术家瑞安·特雷卡丁和几位同僚创造了一个不断播放网友上传的10秒视频的网站。这是对于网络最新奇的角落的狂热窥视，对于网络图像的重构。

　　市场发展缓慢

　　艺术家情有独钟

　　网络艺术同样也面临着商业的挑战。如何说服一位收藏家为在网络上“分享”了数万遍的作品买单？“这是一个微小的市场。”后大师(Postmasters)画廊的马格达勒纳·萨文表示，该画廊自1980年代中期创立以来始终致力于支持那些与科技相关的艺术项目。萨文在出售版画、装置和视频方面取得了不小的成就，但她从未售出过一件纯粹线上的作品。(后大师是马茨夫妇和施特勒的代理画廊，这两组/位艺术家的作品价格约为1万至5万美元。)“1990年代我们刚开始举办网络艺术家的展览时，我觉得再过一两年人们都会认同网络艺术的概念了，”萨文说，“但现在已经过了17年了。”

　　机构收藏同样进展缓慢。美国明尼阿波利斯的沃克艺术中心运行着一个网络计划，该计划拥有大量网络艺术作品，但该中心没有一件网络艺术的永久收藏。惠特尼美术馆只有一件网络作品，那是1994年道格拉斯·戴维斯的《史上第一件合作句子》。纽约现代艺术博物馆同样只有一件网络作品，那是费尔南达·维加斯和马丁·沃腾伯格的《风之地图》(Wind Map)，该作品正在展览“应用设计”中展出。“重要的是我们正在创造艺术史，”惠特尼美术馆的策展人保罗表示，“这件作品与艺术界其他作品产生了对话。所以我们必须将之包括进来。”

　　尽管缺乏市场支持，艺术家依然前赴后继地投身网络创作。他们从中找到了创新的源泉。纽约艺术家拉斐尔·罗森塔尔创作装置作品，同样也创作mechanicalwater.com这类网络艺术作品。他的策略就是为每件艺术作品做一个网站，然后以4900美元价格卖给收藏者。尽管这类网站——例如colorflip.com或是intotime.org——依然可以被广大网友所浏览，但其所有权和维护权将转移给购买者。罗森塔尔表示自己已经出售了超过二十件作品，就像出售一件公共艺术作品。“这种感觉既私人又公共。”他说道。(该艺术家的装置作品由洛杉矶的斯蒂夫·特纳当代艺术画廊代理，售价高达1.4万美元。)

　　和罗森塔尔一样自力更生培养收藏者群体的还有韩国张英海重工业(Young-Hae Chang Heavy Industries)背后的多媒体艺术家张英海和马克·沃格。他们根据乐谱创作诗歌的精简文字动画。这类作品通常节奏很快，非常好笑，运用超大的字体呈现网络上流行的意识流一般的语言。张英海重工业没有画廊代理，但这对双人组卖出了不少数字格式的作品。“我们所在的是一个勇敢的新世界，”他们在首尔写了一封电子邮件，“艺术家是发明家，而今的数字化生存方式让我们重新审视艺术的形式，也可以创造新的交付系统。”

　　他们的履历不断增长——蓬皮杜艺术中心而今收藏着他们的优雅视频作品——沃格和张英海从未想过放弃网络。他们的主要作品依然以多种语言在网络上传播。“我们是从网络艺术起家的，”他们提及，“我们热爱自己的网站。”■