文◇张晓凌

吴冰一到北京就给我们一个非常新的印象，这印象不是来自于他个人，而是来自于他的画面。他的画面给我的感觉。

第一，他的花鸟画大部分都很大，那尺幅远远超过我们对花鸟画的认识，因为我们无论在古典绘画里面，还是当代花鸟画里面看到的尺幅都很小。浙江和南京的花鸟画比较发达，但是也都不大，多半是玩赏性的、把玩性的一个尺寸。我想对花鸟画的突破想在这两个省之内完成，是非常有难度的，因为他们在这方面的传统太强大，反而从边缘突破可能是一条途径。 
  
第二个是吴冰很善于处理灰调子。我一开始看吴冰的画就感到他受宋画影响比较大，尤其是画面上那种灰蒙蒙的调子，这就是宋画的特点，灰调子一定是纯净的，透明的，好像能穿越过去一样，这东西很难画，处理不当会感到脏兮兮的。我们现在看到的宋画都是越过一千年，历史给它一个灰调子，当时可能不那么灰，但是宋画反而给我们提供了一个非常新的境界，也就是我们常说的一种高级的灰调子，我看吴冰的画里一直都有这个特点。

第三是他在笔墨技法上对宋元精神的继承与发扬，我个人认为吴冰在工笔花鸟画，尤其是小写意花鸟上，他的突破还是非常明显的。特别是一些工笔画画在生宣纸上，画的还如此精细，这完全是继承宋人的格物精神，而且他还大量的吸收元明写意画家的小写意笔法，他把这一工一写运用得如此精熟，结合的如此完美，无疑是改变了工笔画易于流于匠气的惯性，并且增加了工笔画的抒情性。吴冰能精准的把握宋画的写实精神，其实应该叫写真，这个真不是我们看到的现实的真，而是超越现实以上的精神层面的真，也就是我们说的度物象而取其真的真，应该在这个层面来理解这个真，吴冰的画既有这种写实的写真的特点，又有宋人那种境界，他在传承方面也花了很多精力去研究宋画，不然不会有这个特点。

另外在整个图式笔墨上，吴冰确实有很大程度上的突破，他的作品与宋人拉开了距离，具有很强烈的时代感。我们可以学习宋人的高境界，但是宋人的感受和我们的感受又不一样，怎样在古典传统的基础上找到个人的特点是画家必须面对的。然而，严格按着古人的程序创作就难于超越古人，吴冰是在这方面动了很多脑子的，比如说他画的那些柿子，他现场看着柿子画，一边画一边卷，一次完成，带有很浓厚的生活气息。如果他不是现场完成而是回到画室里画，那么感觉就会大打折扣。经常在室外大自然中直接对景创作，逐渐形成了他的笔墨风格，他的笔墨简洁干脆，爽利洒脱，在那些直取切入毫不拖泥带水的点线中，流露出对中国画笔墨高度精熟的把握，又不受制于固定的笔墨程式，这些无疑是对院体画与文人画笔墨的突破与发展。他有很多作品采取的是枝叶果实满堂铺的新图式，密而不乱，充满秋天的丰硕与生命的律动。这在构图上就是个很大的突破。所以我觉得吴冰画画，虽然他体力很好，但更多的是用心，用脑子去想，这是个很好的优点。我们很难想到他现场就能画出作品来，即便是中央美院的那些老先生，也要回家以后再整合的。在现场去发生那么多联想，包括满堂铺的构图等等，一般人还真做不到。所以从这几个角度说吴冰从题材构图笔墨包括境界上造境上，都在形成了自己独特的面貌，因为他太年轻我现在也不敢说就形成了“吴家样”，但大体的面貌已经出来了。