——他是个简单的人，生活轨迹简单到无奇，求学、教学、求学再教学；

——他也是个有意思的人，朋友相聚时的酒肆高谈、茶寮细语直至醉卧无语…….；

——他还是个有思想的人，有时深刻到让人惊讶，能大胆表达且敏感认知、面对现实同时批判现状、接受的尺度中仍不失独立的维度………；

——他又是个兴趣广泛的人，苦学油画、钟情诗歌、爱好摇滚…….，此间种种，总让我想起可值追忆的八零年代。

近年来，他专攻架上绘画，在广州美术学院研究生期间师从范勃先生，得到范先生的悉心指点，那是他学业上的一段难忘的幸福时光——反复思考之后的学院回归之旅，长久求索之后的欣然所得。

看郭诗宇的架上绘画，可知他尊重自我的心念，对古典大师的作品，无论是技法还是风格，他都心怀仰慕，从油画技巧的直接塑造到层层设色，一招一式总要细究。油画写生是他的日课，其学院作派了然，为达到某种画面效果，他不惜耗费大量的精力，尝试多种材料，目标实现他会很快乐，但我知道，辛苦绘制后的简单快乐却并不简单。

郭诗宇对油画人物题材情有独钟，从其所绘制的《暮色》《瞬间的惶惑》当中都可看出他的兴趣所在，他的画面里对人物的“面孔”的描绘仿佛是一种寻找，在寻觅中发现，这些“面孔”意指什么？是他自己的心灵镜像，当作品中“面孔”具有了“肖像”的特征时，力量由此呈现。作为艺术家的他在反复捕捉那瞬间的稍纵即逝，不论是形象还是感知，正如约翰.伯格所言：“要紧的是变动的光线无法全然揭示的东西——距离你最近却令你担心已经失去的东西。”当我每每注视着他的新作时，很明显地看出他作画的心迹，时而蹒跚、时而平坦，油色在画布上的安排他绝对是费尽心思，他在模特与画布之间试图建立一条纽带，同时又只有依靠这些可触的媒材来建构两者之间的关系，因为物象与画作之间其实有一大片空地，真正的创作填补了这一“缺席”。他认为“具象绘画作品多少蕴含着某种叙事性线索。这种线索或潜藏、或直白，表征方式不同，但均与创作者的心性暗合。”此言不虚，因为在物象、作者、画作三者之间，只有作者的叙事和阐发是导致画作得以成立的关键动因。观他的《昆仲》《化学家》等一系列作品，可以发现他对那个灵光乍现年代的怀念，那不全然是一个“甜蜜与欢喜”的年代；相反，那是一个理想主义、启蒙思潮、个人尊严被正视的年代，正如“它冲破自身而出，又将自身包围。”其实，绘画叙事本身有诸多的路径，表达上客观、主观的成分与比重，艺术家自当权衡，郭诗宇更多地选择了具象的表征，而不是纯然的客观再现，“客观”在他看来是一种虚妄，这让我想起叔本华的名言：“一切客体，都是现象”，如今的表象瞬息万变，有时很难让我们分辨出什么是表象的，什么是实质的，进入人们眼帘的映像也多变形，郭诗宇力图用“折射”的视角来传递他个人的认知，因为他试图远离那种“形而下的、复制式的、生活图景式的叙事表达，并且本能地排斥”，这是他的习惯，也是他的选择。但是在叙事当中的符号性表现却是他无法回避的，即便他想把这种符号性给弱化到最低限度，然在他的画面中仍可清晰地看到“能指”与“所指”两大要件，其实艺术家在排斥标签的时候又被贴上了另外一种标签，不想被归类的同时还在被归类，也许生硬同时又很无奈，因此，他画面中残阳般的暗红色晕染也被“焦灼与荒芜”心理图景所标识。

郭诗宇的架上绘画基于日常生活，画面形象往往十分面熟，然在其表现中又很意外，在这里我们可以看到一个不一样的有形秩序，它与许多秩序并行，他的绘画更像是一种确认，在我们周遭反复出现又消失的形象确认，一种反思情怀的不期而遇，种种邂逅和参与都在证明着艺术家的在场。

每当聊起看到的大师作品我们常有感叹，巨匠作品一路看来，自我的思绪总被掏空、被劫掠，同时深陷沉醉的惊愕之中，大师们看似信手拈来的东西，那些平实叙事中体现的不平常，作品的精神当量和高密度的艺术呈现都让人遥想不已，此刻，总有一个思绪浮起：“原来如此！…….哦！是这样吗？…..是的，本该如此！” 这点大家亦有共鸣，对于那些杰作，我们大都经历了从观看前的期待，到观看中的神迷，直至观，看后的自嘲。绘画何处来？绘画是什么？它又向何处去？这种宏大的历史追问不是我们所能回答，但在林泉书斋之间，“自娱自乐”地绘画何尝又不是一种旷达自处的方式。

 

 

 

                                  清华大学美术学博士 熊震

                                         2018年6月