【2020.10.06】
世界上除了没有人的地方，没有历史外，有人的地方都有历史；人有多久，历史就有多长，几千年上万年都是，并不是世界上只有几个古国。不要有历史中心主义。（读世界史记要）
“气”这个字很神秘，用在绘画上讲“气韵生动”，而这史个字主导了中国绘画快两千年，至今有意义。但是能体现它的真义，却不见得做到了，能体察到它也不见得是沁入心脾。说说这个词台容易了，但难在是心脉能体会到，就像没吃过梨，非要和人介绍梨的滋味好吃一样，岂不是假模假式？这个四个字的语义对于当代创作也日渐耗尽，更是难上加难。绘画的判断和经验已经多样与矛盾起来，不过，不要紧，萝卜白菜都有吃客，叶公好龙者历来都有。当代的艺术越来越修辞化也是不争的事实，观念是其决定性因素，但这个“观念化”绝对是当代艺术的难题和挑战，说是它的命门一点不为过。这是艺术家和批评家策展人一生都要作战的对象。
【2020.10.07】
研究艺术家的心路历程，要看他们当时当地的言谈和文字，也看他们发展的变化，更看他们的作品作为。今天的媒体化时代让艺术家常常迷失在媒体中而困于创作的激情与苦思，后者是国中艺术家八十年代以来的优良品德和新传统。（这里说的艺术家总是一个限度的艺术家，而非全称的艺术家。）
这是一个特殊的展览，一场疫情让一个央美的青年学子孟佳宝辗转暂居在画家朋友的工作室里，画了这些工作室窗外的风景，名为《开窗》，标题直接，又有意蕴。因此做个工作室展览让朋友们看看，我特别给它做了微信介绍，竟得到一位微信朋友的点赞，他喜欢这三幅开窗作品。我因此问了青年人作品多少价格，她告诉“哈哈哈好的王老师，价格方面是按系数算的，一般研究生作品价格系数是150—200之间，我这次展览定的低，只定了120。画的价格是两个边长相加乘以系数。这组画每张是80㎝×120㎝，价格也就是（80+120）×120=24000。系数是一个标准算法”。艺术品是有定价系数的。这么初级的价格，应该买下来支持年轻艺术家。我记得2015年10月去纽约MoMA参加“美术馆研究班”，他们组织了去moma理事家里做客。一进屋看到的全是艺术家作品，如安迪.沃霍尔、张伯伦、唐纳德.居德、唐.弗莱文等，我们问她你收藏的这些作品怎么全是美国重要的艺术家？她说不是我有先见之明，是当时他们是青年艺术家，我们收藏了他们的作品，他们会成长起来，会得持续发展下去；如果我们没有买了他们的作品，他们可能就失去了生存机会，也失去了信心。青年艺术家就是在支持和鼓励中成熟的，我们喜欢就是要支持青年艺术家”。当时大家听了非常感动，这才是对艺术的理解，也是真爱艺术。青年艺术家有社会的支持才得到发展，变成了美术史；不是青年艺术家是明星，是这些青年艺术的赞助人优秀。
【2020.10.09】
在重启活跃的艺术现场，还得抓住艺术的真实前瞻性与前沿性的创作，作为批评家、策展人，要敏锐推进时间轴上的新一代艺术。青年策展人要以有观点立场的文章来确定自己是优异的策展人，而不是策个展就是策展人。写文章是第一生产力，其次才是策划展览。我在组织一个论坛，要邀请青年策展人，但却发现很多人没有写过几篇文章。这是不行的，万万不行的。看今朝青年策展人，数能写文章的尽得当代先锋。
【2020.10.10】
夏加尔的作品展在中央美院美术馆廊坊馆开幕了。这个画家不在现代主义的谱系潮流中，却是真实画画的人，被历史铭记了，被大家喜爱了。他在法国尼斯的夏加尔美术馆超好。这才是真画家。
为好朋友画家李芒点赞，他生活在伦敦已经30多年了，当年从鲁美毕业，辞了辽宁美术出版社的美编工作，硬是去英国留学。这样就留了下来，打拼，在那里立住了生活。他几十年如一日地作画、写生、去各个美术馆看展，汲取异邦的艺术精华。君不见，他现在的画多么神采飞扬，得了正宗油画的神韵，不是简单地翻看画册看坏了眼睛地画油画。这是他在英伦在欧洲滋养了几十年的成果，他知道他远离国内现场，无法像国内那么斗勇生猛，但他要一支笔画下去，画出一种耐看经得起看愿意看的画来。这不，这几幅足够看。
李芒的另一幅画，在疫情中画的，画了一个多月，画光了他画室里所有的颜料。
收到了美国艺术批评家MaryBittner Wiseman刚刚出版的新书，《中国新艺术中的大唯物观》，国际学界对中国发生的当代艺术依然研究热忱不减。它的研究方法与视角有启示意义和价值。封底是我写的推荐词。
中央美院美术馆的藏品今天在央美廊坊馆开幕了，真有好东西。美院的前辈们真有眼光收藏购买了这么多古代绘画作品，惠及后人了。
【2020.10.11】
最近，关于策展的出版物和讨论很不少，特别是艺术需要不需要策展及策展人，似乎成了一个问题。大概率是：需要；局部有雨，说：不需要，没必要，策展人又不做艺术（除了做的），等等。下周文联举办“策展人培训班”又要开始了，这些都应该要说说的。策展还在发展过程中，远不是策展还没用的时候。问题的核心是怎么进行有效地有甄别的策展，不是所有策展都是策展。
【2020.10.18】
一个博物馆展出的都是复制品，还是博物馆吗？这和展假画有什么区别？博物馆做好恒温恒湿还担心原品受损问题吗？还是担心偷盗问题？如果都是这样展出复制品，我们可以复制大英博物馆、大都会博物馆了。
【2020.10.23】
金日龙的抽象绘画，从具象写实转到非具象的抽象绘画，这是怎样的烧脑？至少它不能用“情绪、情感、表现、抒情、情意、意象、热情”等这些词来描述，属于偏冷的无表情绘画，方格子是其基本构成，见仁见智，不是为了宣泄，如果做抽象绘画是为了宣泄情绪，就不要再归为当下需要的抽象绘画，当下需要偏冷的理解式绘制。中央美院的非具象教学与研究前几年成立了油画系第五工作室，该如何展开，确确实实是一个大课题。
语言也会生锈；读透语言就需要清理锈迹。
艺术语言难道不生锈吗？内卷化其实是艺术语言严重生锈的一种好听的说辞而已。
【2020.10.26】
当代的中国艺术需要艺术哲学？还是需要艺术批评？
丹托最后对艺术哲学的定义是“艺术史哲学批评”,造了这个连写的词汇Arthistoricalphilosophicalcriticism。可知是他一生的实践心得。
丹托首先是历史哲学家，再次进入艺术批评,再进入艺术哲学，然后又回到艺术史，最后再总结了“艺术史哲学批评”，他之所以这样界定，是我们今天遭遇的艺术状况，无不是这一构成的关系的结果。它具有普遍的适用性，如果拿来分析中国之艺术，一定是这样的逻辑思考和解决之道。
今天艺术之复杂之矛盾之分层，都是历史导致的哲学思维改变引起视觉判断颠覆观念认同的结果。此视为批评，决定艺术的判断位置和历史定位。
比如，现在我们喜欢讨论“传统”这个词，如果不加以历史化的分析，就几乎不知所云，也无法成为今天的行为指南。而“当代”如果不是历史化，我们又怎么来确证艺术的判断和定位？这个哲学思想则是确认人的价值，既有历史推导的现实价值，也有追求艺术本体的价值，而绝没有以市场价格论美学价值的逆反。关于后者，几乎没有哪一个艺术哲学要论证它，但人是短暂的，活在现实里的人常常打败了或在历史中的人。这就是为什么艺术史是给那些被当时现实不垂顾的人准备的，可惜我们活在卷了的世界里等不到未来的历史。
【2020.10.28】
再读这本展览文本，还得说做得专业，选菜尽可不同，但作为策展与研究撰文，国内无见有出其右者。
【2020.11.04】
每天包围在艺术的判断中。
关于“艺术”，是用眼睛看？耳朵听？头脑阅读？被文字规训？什么样的文字证实了艺术？
【2020.11.07】
上周在长沙开策展年会，唐克扬发言谈了他在深圳工作几年的经历和感慨，一不小心，说漏嘴，冒出一句“深圳是文化沙漠”，其实这是一个快速发展的城市的逻辑过程。肯定是经济高速疯长，但文化需要滋养，它无法快速跟进，就像人们常说的，成为一个资本家，可以一夜完成，但培养一个贵族则需要三代完成。这里说的贵族的潜台词指的是文化修养和眼界以及气质。好在深圳不错了，有了硬硬的基础建设，假以时日，慢慢养，会向国际文化大都市迈进的，虽然现在那里的人常说，一到周末或节日，人们都外出到他乡度假或文旅。深圳，慢下来，一点点来滋养文化。
艺术现场的热闹，还属于北京的798。
【2020.11.09】
艺术及其作品，在中国其实是有它的学术系统的，只是外部的社会系统将它遮蔽了。
周末看展，你会发现在实验的艺术的展览现场，都是年轻的观众居多，而很少看到年纪少长的艺术家，这是代沟的差异吗？事实上，发展中的与可能成为未来的艺术家是在这些年轻的实验的艺术里，他她们的活力应该给年长的艺术以刺激，其实，善学者时时向青年人学习，而不是相反。米诺M房间坚持了四年做实验的艺术展示，现在孤守在黑桥那片绿地中，四年中展示过的很多青年艺术家真的是不错（当然不是所有，要不怎么叫实验呢？），凭一己之力，做替代空间，这是最可贵的当代艺术精神。蔡锦是很有影响的艺术家了，但她在自己的工作室空间里猛推年轻的艺术家，自己也大获后生的激励，这也是前浪推后浪的高贵。正是因为有那么一批年长的艺术家推年轻的艺术，才使得艺术生生不息地前进，彼此彼此。
我们需要对展览和看展览做观众统计和分析。为什么办展览（从主办方角度）、做展览（从艺术家角度）？谁来看展览？以及如何看展览？这在美术馆研究中是重要课题；在美术批评中是必修功课，发现艺术现场中的艺术、看到艺术的新状况、发现新人、讨论艺术问题；对艺术家是捧场与学习、受启发或刺激的机会，在国外的艺术展览上，经常邂逅大咖艺术家，是自己去看展览的艺术家，不是应邀参加开幕的艺术家，他们往往认真看作品、思量它们，如我在外国的展上遇到过马克.奎恩（奇遇）、别人指那个是克罗斯等等，而且看展的年长者摩肩接踵，可以想象他们年轻的心和对艺术的敏感度；美术馆办展，是推动某一艺术，是总结某一艺术，是探讨某一艺术，也是对艺术的敬礼；艺术家做展，是检验自己的艺术步履，是向公众呈现自己的所作所为、接受审视和批评，当然也是希望获得掌声和赞美，但也有一类展览，是提出问题，针对某种僵化，发出声音，看看观者有无反应和互动，它期待的不是鲜花，而是来自敏锐者的激辩，这样的展览是艺术勇者的作品和观念表达，展览是其作品，做展览就是创作艺术或质疑艺术，YBA作为八十年代的青年人（学生）就是把展览做成艺术作品，把艺术挑战做出展示，九十年代北京的一批青年艺术家也是做展览看作态度的一种方式，看他们后来的发展都从这些青年艺术家的现场展中脱颖而出，没有那些让人心潮澎湃的展览，他们的艺术激情可能就慢慢地磨灭了。为做展览礼赞，而经常自己去看展览是一种艺术持续有动力有激情的修养和智慧。
人们会有一天厌倦甜腻的审美的。
今天的中国艺术现场，很多都被甜腻甜俗媚气霸占了（接上一条微信）。中国的审美水平会提高的。想想看，中国曾经有过大气滂沱的美学眼力与品格，怎么会永远要沉迷在目下的很多甜腻腻呢？我们不是要提高普及审美吗？这就是第一关要过的。
【2020.11.11】
艺术历史不是白给的，它有定律，艺术世界形成学术体系，而后者导致审美的现代性发生并成为常识。这就是审美现代性的历史性定律，中国的审美普及一定会沿着它走向前的。
审美现代性是评定社会状态与发展的另一个维度，不仅仅是要楼房多高、铁路多快、吃得多油。
【2020.11.15】
艺术，首先是通过眼睛看的东西，不是先入为主用文字堆砌。而关于艺术则非用文字不可，否则是不是艺术或多么艺术都无法确证。作为视觉的艺术与作为文字的讨论评论批评就永恒地形成对抗，艺术不说话，完全是文字在打架。
问题是：我们读了文字是不是就等于读懂了艺术？反之亦然。
千万记住：装置不是单一物件，而是与空间对抗对话、改变空间的艺术方式。中国新一代装置艺术家有多个呢？
我们总是被雕塑和装置之间有什么区别所纠结，其实现在的情况是它们越来越彼此拉开了距离，在思维方式上越来越不同于雕塑，这在国际范围内的装置艺术家的作品上都可以发现这个变化。中国装置艺术不发达是因为我们总想把它和雕塑放在一起比较或区别，而情况是装置早已自立门户、不再和雕塑对比。批评家Clair Bishop的总结是“梦幻之境”、“高度强化的感知”、“模拟一种全身心通噬感”及“被激活的壮观情景”，她以此归纳当代的装置。
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