姜淼是中央美术学院版画系科班出身，她早期创作阶段便是从黑白木刻的学习开始的。刀子的凌厉与黑白分明的明确性，符合艺术家早年的性情：那种对万事万物穷究及追问，那种尖锐直白的明确性所展现的人生图景之辽阔与壮志，似乎容不下一点犹疑、冗赘、过渡、暧昧。

 

这一阶段，许是木刻这一媒介所向，题材和风格也偏具像化，可以看到人物与动物的场景，只不过并不是“写实”，构图的细节还是颇具隐喻意味。这可能也源自姜淼自幼便对人类古老文明和生物智慧感兴趣，于是自然会对一些现代文明学科体系知识以外那些无法解释、无法清晰定义的内容感兴趣。

 

而一旦追溯文明源头、生命的起源这些议题，一旦开始去探索已知和未知的领域，就会自然接触到同样古老却自成强大逻辑体系的道家思想。所以在求学阶段姜淼就开始系统地研究阴阳、点/线、能量/生命诠释的思想，从而形成了“天人合一”的东方世界观。

 

后来，从黑白分明的木刻版画世界开始，渐渐有了层次感和色彩。一个明显的创作生涯的分水岭到来。

 

十年的时光，于人类生命而言，亦是厚重的积累。渐渐的，姜淼的艺术世界不再只有黑白分明、对抗性的阐释，而是更多隐忍、圆融和不确定性。

 

姜淼说，有一天，她便开始把一层黑变两层色，二层变三层，三层变五层，后来觉得饱满度不够，就十几、二十层，到现在的三四十层。

 

于是，一轮轮的刀刻痕迹，像极了年轮（客观），却也是思维的褶皱（主观）。这种褶皱可以压缩于二维平面，亦可以延展多维的感知。这在柏格森（Henri Bergson）的“内在之知”和“外在之知”理论系统中是有直接参照意义的；在柏格森看来，心灵习惯于追逐外物，从而以外物的认识为标准来认识内在，以固体的逻辑为标准来认识心灵和生命，全然没有注意到这种外在的知识，根本不符合用来认识心灵和生命。

 

不过，在姜淼这里，她的心灵体验可能更为超验，这也是她第二阶段的创作逐渐从具象走向抽象，开始探索那些“不可见”的世界

 

但是在具体的创作手法上，姜淼是有直白感受的，她将色彩比喻为拥有自主意识的生命细胞一般涌动，一层层的颜色彼此相互覆盖、叠加，互为表里，但并不是那种牵扯平衡的力（一如道家的阴阳之合的圆融），在姜淼的笔下，色彩具有蓬勃的张力，并没有因为层层覆盖而被稀释，或者氧化，而是一层层都在往外顶；随后，姜淼再擎刀下刻，于是，所有曾经的感觉、挤压的时间，都仿佛获得了释放，宇宙洪荒，猛地往外冲。

 

所以，这一阶段在姜淼这里并不会因为那些不确定性就变得消极或者圆滑，只是生命能量的场域转移了。

 

而作为观者的我们，在得知艺术家的这一创作心路历程后再去直面画作，我们的心绪与想象或许也能因此被激活，去想象那一层层的颜料和刀凿之下阳光、风、空气和温度的感知；若能感受到这一层，那么生命的能量才会流动。

 

从早年《分生》系列的黑白木刻，到第二阶段的《水·界》《文明》等以山水寓形的超现实表达，再到近两年的《始基之轮回》《天眼》《正觉》《瑞》《无言的秩序》等再造灵魂与能量的生命主题系列作品，可以明显摸索出一条清晰的嬗变线索。于是，“灵”（Spirit）的概念被用于姜淼的作品表达中。

 

灵，不可见却又无处不在；而艺术家的敏锐感知和精确捕捉则将“灵”视觉化，却也“异化”——于是，呼应展览标题“异在之维 The Dimension of Otherness”——艺术的功能在于展现另一维度的世界——那些我们可能并不能直接看见的世界。 

 

这次白石画廊北京空间个展所展出的新作，令人印象深刻而无法忽视的是巨大的一个个“圆”——是的，视觉上是“圆”；更深入一层，用艺术家的说法，这些是是磁场、旋（即灵魂的符号）和点线面的物质。

 

有时候，圆融并不是圆满，而是对正负、错误、隐忍等的容纳。生命其实是永无止境的斗争，是日如一日的挣扎与试错；不满意之事十之八九。最后的结果呈现往往是潜意识中的“因”。

 

姜淼始终认为，一个完整的作品（注意：是“完整”而非“完美”），是包含了所有的错误和不协调的，这就是宇宙之大美，是真诚，是存在。黑暗、挣扎和斗争在宇宙视角下，所谓东方还是西方、人类族群彼此之间的隔阂与争斗似乎都显得不值一提。这也是当下全球一体化模式走到危机时刻需要迫切思考的问题。

 

而比之冗赘又虚无缥缈的哲学理论，更重要的意义在于，艺术是能跨越人类世俗的现代文明隔阂等议题，进入到宇宙和生命能量的层面去感受生命的流动，于个体而言这是是多维的感知，而不再只是局限于现代主义学科认知的架构。

 

生命有蓬勃也有衰败，皆欣然处之。我想 —— 这就是姜淼当下最好的状态。