和李青其它的展览相比，这是一个特别项目。它的意图并非是呈现李青作品视觉上的意义，而是对形成作品的现实、观念和方法的剖析。

 

  项目的动机，来自于李青过去作品的引导：早期“找茬”系列中，两张相似的画面，让“看”变成了“识别”；“互毁”系列中，两个形象彼此叠合，产生了一个含混的结果，指向绘画重建现实的奥秘、实与虚拟的哲思；“窗”系列中，内外的观看，又将我们引向叙事的维度，关于观看的时间与空间。直到，“建筑”系列的出现，李青的议题又重返此刻正在发生的现实，重思被虚构的生活和激进的美学。

 

  为了更清晰的说明这些问题，展览以“类型学”的方式进行分门别类，分成“框形画”、“窗户”、“都市生活”、“杭州房子”和新创作的“松”几个单元。展厅和展厅之间的联系由连接各个空间的展板完成。它试图将问题组织在一起，进行集中讨论。在同一主题中，作品不再是孤立的故事，而是化作观念的“字”与“词”。展览的视角，也并非由结果出发，而是关于结果的倒叙，让作品中的元素、概念、想法回到衍生它的社会现场。

 

  作为问题的解答，我们首先增添了艺术家创作的素材，以交待作品中形象的来源：是什么吸引了艺术家？它有着什么样的依据？艺术家又借用了哪些历史资源和手法、受哪些艺术史的影响？同样，我们也借着这些蛛丝马迹，得以窥视艺术家的生活、情感和灵感的来源。一些延展性的资料又将我们的目光引向更宽广的世界，艺术家思想形成的现实环境，观念的旁枝侧叶，历史根茎中带出的泥土。

 

  文本与档案的展示方式，揭示了李青作品背后的思考轨迹和现实指向，它们被分成几类关于“美的POSE”：现代都市中夸张而又景观化的地标式建筑；流行图像中杂技式的姿态，浮夸的人物造型；互联网诱惑并塑造小资“美好生活”的露营场景；不同地区以松树为主题的绿化景观；社交媒体上美术馆打卡的网红照片，以及假装生活在欧洲的城市雕塑。这些POSE像是“美”的广告，假定你拥有了它，便拥有了美好的生活。

 

  “美”的定义只是结果，李青将它拉回历史的脉络中，20世纪初的现代艺术运动，立体派、未来派、野兽派影响了人们对于形式、狂想和美感的认识。它分化了包豪斯主义，设计从“实用”转向“形式”，由“功能”转向“美感”。之后，布朗库西和亨利摩尔，又为形式主义运动提供了进一步的灵感。直到科学和技术的进步，这些“灵感”得以实现。然而，达成曲线美的材料，造就了这种美感的外壳，它平滑、反光，渴望点赞，有着浓浓的塑料气质和虚无的未来感，它中断了人文主义最伟大的传统：自我救赎和社会救赎的踪影。

 

  可是，艺术如何达成这些反思？带着画家的目光，李青总是能发现不同事物间，相似的外表、形式与造型。画家身份之外，李青又有着知识分子的视角，看待事物的立场：不是在事物中发现美感，而是思考、评判、反思“美感”。于是，我们看到李青延续了艺术史中讽刺画的传统，杜米埃的尖刻，马奈描绘的中产在草地上的午餐，约翰.柯林后现代式的幽默。

 

  或者说，李青通过绘画修辞的魔术，重申了艺术反思现实的功能，延展了现实主义的含义。他进而发展出一种新的语法，通过视觉文本的关联、对比、并置和互文，将“对象”杂糅成“问题”。只是，对象不是现代生活中的浮光掠影，而是后现代生活中，由于精神的匮乏，人们普遍信奉的一种表面的美感、浅薄的生活。