张宇星：当代艺术和当代建筑需要互相拯救艺术资讯

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张宇星：当代艺术和当代建筑需要互相拯救

时间：2019年07月03日 作者： DBL 来源： 打边炉DBL

华黎（迹·建筑事务所），《引力城市》

DBL：讨论未来性的同时，我们也身处于一个真实的环境当中，大家会更关注此时此刻的直接体验而非走向对未来的虚空想象，这两者在你看来是不是一个悖论？

张宇星：数字空间的本质是抽象化，它的反面效应在于信息来得太容易了，而且目前来说还是单向的讯息。我们希望展览能够增加在地性的现场体验，这或许也是未来我们拯救建筑学、城市研究学科的唯一办法。说白了，这和数字空间并不存在悖论，数字空间的核心是信息，只是我们现在把信息接收很狭隘地定义在眼睛上，一旦你把信息拓展到身体的全部就会发现，看手机得来的信息只是一个指引，就像目录一样，还是得去到现场，发动身体全部的感官，才能真实地得到所有信息。

所以在未来，空间给人体验的复合性和多样性会大大增加，这对我们空间塑造的学科都提出一个挑战。我们在展览现场做装置和影像，是在探讨新的空间原型。它们和图纸不一样，装置是观众必须要到现场才能体验到的，影像则是在顺应当下仍以视觉为主导的人类感知方式，我们在同一现场中把这两种载体融合起来，观众能得到最大的愉悦，达到一个最佳的状态。

我们故意在展览中没有设定任何形式，巧妙的是，几乎所有参与的创造者都在探讨未来的空间原型。具体表现在对切身体验的要求，观众必须亲身在装置内部转一圈，才能把它看全。同时因为这些装置容载了综合性的信息，观众还必须在那待上一段时间，把信息看完，作品才能算看完。还有一些装置故意创造了新的身体体验，让观众换一种姿态进入，挖掘身体和空间之间有趣的感知经验。这个展览不仅仅面向未来，它面向的是过去，追溯把那些属于人的本能的时空体验，形成一种新的融合。

袁顺，《圆原源缘》

DBL：关于展览技术上的问题，现在很多建筑展和艺术展之间的界限越来越模糊了，就像你们在坪山做的这次展览，也是通过和艺术家的合作，在一个建筑展览当中加入装置和影像。当展览面对的是专业建立的主体性的时候，这和你前面说到的对未来的想象之中存在着怎样的勾连？

张宇星：艺术和建筑这两个学科之间的边界本来就很模糊，古代社会里，艺术家和建筑师往往是相互合作的，只是被现代学科的分工体系割裂开来了，所以双方总是会存在着相互靠拢的驱动力。在我们的工作中，越来越深刻地体会到艺术特别是当代艺术也好，当代建筑学也好，两边都需要被拯救。

当代艺术在不可避免地抽象化，艺术家都在同一个知识体系内部，很难从结构上抵抗它的同化。这个问题在建筑学中要更严重，因为建筑学的专业严谨性要更高，决定了它对体系有着更高的尊崇性。只是建筑师建造的门槛太高了，房子盖完，它几乎便获得了唯一性。两个学科都面临着高度的体系化问题，一种是真实的物的体系，另一种则是虚拟的知识体系，它们所带来的束缚是不一样的。

有时候艺术家特别羡慕建筑师，艺术知识系统内部的弥漫性更高、更多元，艺术家很难找到一个没有边界的处女地，都被挖掘掉了。建筑师同样也在羡慕艺术家，画一张画，做一个装置，物的成本束缚都相对要低得多。这就带来了现在建筑学一种被艺术“污染”状态：建筑师盖房子的时候，首先想到的是拍照片，房子在图像上的观念表现越来越突出，最后造出一个网红建筑。用艺术家的方式在做建筑，很好看，易于传播，但恰恰冲击了建筑学的本体。照片无法拍出所有材料的质感、重力的感觉、空间的舒适度，缺少了身体体验的参照，便永远感受不到现场的尺度。我认为建筑学的本体是抵抗传播的，解决建筑学的问题必须通过现场，建筑学需要被拯救，首先要削弱建筑对当代艺术的这种依赖性，让建筑成为一个真正的在场体验。

当然，艺术当中对人、身体的关注，是可以回馈到建筑学当中的。现在的建筑，往往建筑师成为了“上帝”，以他设想的“漂亮的”空间优先，抹杀别人身体的所有体验的可能性，那建筑还有什么意义？我们这次邀请建筑师去做装置，让他们用艺术的方法思考身体，我相信对他们的工作亦很有价值。艺术在告诉我们建筑不应该停留在视觉之上，最后仍然是要回归身体的。

反过来，艺术也需要被拯救。艺术的另一个问题是和场景背景的脱节，作品进入美术馆体系以后，作品周围的环境、空间都被剥离了，作品承载的时空信息也被削减了一大部分。或许这也是架上艺术走向衰落，装置影像走向兴盛的一个标志，它们为艺术赋予了一种空间感，在艺术品和周围环境形成一种新的冲突逻辑。

DBL：“互相拯救”这个说法很有意思，艺术家和建筑师之间的协作越来越频繁，但过去的合作还只是停留在形式的协商上，比如建筑师设计一个美术馆建筑，或者一个艺术展览，双方在展览空间的营造上展开合作。

张宇星：我认为新的艺术形态会不断地被挖掘出来，艺术家开始直面新的时空可能性，而不再将展示局限于一个标准化的空间或是单向性作品的内部。创作的过程、创作的成品、还有他人对作品的评价，三位一体地形成了艺术的整体。单说艺术品是没有意义的，真正的艺术是媒介，不是作为作品内容传递的媒介，而是把艺术家创作的信息、其他观众获得的信息叠加起来再传递给下一个受众，才完成了艺术创作最终的价值。观众能够从作品中感知艺术家的痛苦、快乐、创作的全过程，也能感知别人的反应，并叠加自己的感受，形成一个更大的体系。

建筑学也是有这么一个过程，这或许类似于一种叫“哥特性”的东西。过去的西方哥特建筑，一座教堂有可能要建三百年，几千个工人都投入了他们的一生，在他们奉献参与的过程中，也经历了一个创造性的过程。最后呈现出的是建造的成品，蕴含着个人的行为、时空的因素、还有种种不确定的因素，我觉得这是建筑最大的意义。这根本就不是现代建筑这种现成品式的创作方法，我们理解中的现代建筑，好像更接近一个“体系化的产品”，包括业主、建筑师等在内的整个体系，可能花了五年时间，把它漂亮地完成，在投入使用之前，建筑内部所有的信息，用户都是不知道的。

所以未来的建筑，包括艺术，最大的核心就是回到我们“未知城市”的主题，探索未知性的自由，构建一个指示性的方法体系，让每一个人——特别是建筑的终端用户，从一开始就拥有参与探索、参与创造、甚至参与摧毁的权利，并在此过程中获得快乐。

文中用图由张宇星及“未知城市：中国当代建筑装置影像展”提供，摄影：张超。

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