不知从什么时候开始，海滨的绘画有了新的命题，他脱离了意象式的风景和静物，走上抽象的路子。想到他原本就不喜欢那种宏大的剧场，甚至极力保持与强力话语系统的距离，就可以理解“抽象”于他不是叛逆，而是必然的结果——他用一种柔和的力量，去表达不妥协的个人经验与感受。

绘画于海滨而言，像是一场自我过滤，没有重点、没有轴心、没有必须依附的权力、没有难分难解的情感，只有遇见的偶然和必然。当画者认识到一切存在的不确定、不可知与不可言说，艺术的描述便没有更好的选择，谁又能确定世界就是我们所知道的那样呢？目光所及的观物，瓦解了“物”，却释放了“心物”。

“抽象”就是由“观物”到“观悟”的过程。

 

  “石系列”源自他的一次徒步登山，沿河间溪谷，看流水与巨石之间得互动，一动一静、一刚一柔，水流汇向深海，坚石日益消磨，二者以不同的方式归于“动中有静、静中有动”的平衡。物理界“质”的分明又与声、光、色的环境混而为一，构成一种看似无关却有关的连续统觉。他将这种不可名状的无状之状，投之于无所从来的石之空象——或许仅仅是他自我想象，并没有真正的媒介物，很难说图像代表了什么，可能是一块石头，也可能是一粒灰尘，一片空无。

在画笔开始的地方产生了“形式”，但形式远非其最终目的。他有意无意地呈现直接而单纯的画面效果，在色彩的组合关系中推动内在的心理需求，局部区域的单色，流露出质感温润的光韵，予人一种沁人的清新气息，进而穿入色块意向的凝结团，敲敲打打，摸摸索索，堆叠出的迷人肌理，把物质内在的表象重新定义。有时像被风吹开的波纹褶皱，有时像是流动的溢出自身的东西，表达一种藏匿生长的发现本身。一旦达到一点满足，海滨便放弃画面的主动权，让位想象与读者，使不着边际的语言张力，将早已退化的无用之物、空无之物唤醒。

这一表达的立足点，有海滨性格上一贯温和、沉稳的质地，也有一种他对理性的反向追求。其徽派建筑系列里，色彩的逻辑与现实经验的粉黛青瓦无关，不假强迫性的修饰，亦不计较于形态维度的刻画，仅靠色彩语言的秩序运用，赋予画面润而不涩的感觉。在稳定的心理疆界中，逻辑的坚硬浮于上层，使不可捉摸的“空”与“无物”找回一点可靠的依据。

 

  当色块的组合为自身的情绪和思维奠定尺度，趣味得以最大程度地显现，仿佛一场悦人心目的独奏，在单色调的欢快节奏里，偶尔蹦出几块黑白色块，如自由冥想的杂念一般撒落，试图发出存在的鸣音。他制造了某种令人兴奋的催眠意识，跃入眼中的印象一再潜藏，而以最大的心理暗示经营画面，在微弱的掌控中，混沌归于清澈，流动归于稳定，游离归于条理。

值得注意的是，作品也许不属于自身，而漂浮于空间。海滨将作品与空间成为轻薄的塑形，来自视觉上的明亮用色，令悬浮于墙面的轻盈量体与空间对话，进而成为更大块面的一部分，局部的、片断的、被分割的“物”，一如拼图，以另一种方式重新整合，互相支撑。

就在对自然与空间的敏锐打量中，海滨创造了游弋自如的表达维度，或通向无法预知的任意门。而唯一可以确定和不容怀疑是，一定还有些什么碎片，或未知的拼图，有待画者拾取，作为一个“空”的事实去占据想象的空间。

 

文/文竹七七